Dos documentales y una película de ficción nos hablan de imágenes y de discursos
Ahora sí, parece, podemos dedicarnos a la razón por la que vinimos, hablar de películas.
Y en lo que logré ver hasta ahora, algo siguió rondando en mi cabeza, que es cierta discusión sobre la autonomía de las imágenes y/o su cruce con los discursos. ¿Pueden hablar solas, las imágenes, o siempre necesitan palabras (con ellas y al lado de ellas)?
Es un debate largo, que no se resuelve en dos minutos, y que en realidad no se resuelve nunca. Trato entonces de escribir de estas primeras citas con la programacion del FICCI a partir o al lado de esas inquietudes.
Bridget of Time (Laika Tilti, K. Brinde y A. Stonys). Un documental sobre documentalistas que fueron activos en Laponia, Estonia y Lituania durante la cortina de hierro. Entrecruzando materiales muy bellos, filmados desde los 60, y entrevistas recientes, la reflexión va hacia el paso del tiempo, la permanencia de la imagen y el envecimiento de los cuerpos. Una fiesta de verano con baile, al aire libre al lado de un río. Y ese mismo pasto, desocupado y solo, hoy. Pero justamente allí parece aclararse que las imágenes nunca son neutrales: acá es como si nos metiéramos en la mirada fotográfica no occidental y socialista, que no es neutra. Vemos claramente lo que nos cuenta. Así que la belleza de los rostros y la incertidumbre de las cosas (muelles, carruseles, pisos de madera, trajes sesenteros) terminan organizadas dentro de un discurso social de partido que las ordena e interpreta. De la misma forma, el documental mismo, Bridges of time, parece construir una lectura algo retórica de sus materiales, como si el ciclo de la vida y el tiempo planetario tuvieran una razón de ser. Sobre esto, se puede repasar lo que escribía Roland Barthes a finales de los 50 sobre la exposición fotográfica The Family of Man (en Mitologías).
Finalmente el irlandés Donald Foreman en su The image you missed, no parecería hacer un trabajo tan distinto sobre el tiempo, al buscar y recuperar materiales filmados cuarenta años antes por su padre, Arthur MacCaig: un testimonio cercano del conflicto irlandés en los años más duros. Parecido, porque acá también se construyen puentes entre pasado y presente, miradas cruzadas sobre un mismo paisaje urbano y humano. Pero no, es otra cosa, porque el viaje de Foreman no busca ninguna belleza en si (“las imágenes están para servir el contenido, nada de ejercicios de estilo”, escuchamos) sino a la mirada del padre (que filmaba “campos y contro campos, y nada en el medio”, como le reconoce y reprocha el hijo). Lo documentado, preocupado por el afuera social, político y bélico, registra también un adentro, igualmente conflictivo. Nada se pierde del impacto sobre el IRA, y nada se pierde sobre la relación con el padre en el repetirse de una pasión (la de filmar).
Para terminar: Call for Dreams (Ran Slavin). Una mujer pone un anuncio para conocer y grabar los sueños ajenos. Que no son tan ajenos, por supuesto y atraviesan cada una de las capas de lo real (hay varias, en efecto). Pero la trama, si así queremos llamarla, no es importante, más allá de ese juego. Es más importante decir que la mujer se llama Eko, que la película corre entre Tokio (ciudad fascinante bajo una lluvia constante) y Tel Aviv, y que además de correr, la película se queda fija en detalles, objetos, rostros, pantallas, espejos, vidrios. Una fauna humana en crisis porque a pesar de que se trata de sueños, acá todos parecen no lograr dormir nunca, y tienen ojeras y barbas largas. Todo esto no tiene un sentido concreto, pesado y filosófico porque simplemente la película nos lleva a un más allá donde la reflexion filosofica ya no tiene sentido. Y es así que logra ejercer todo su poder de capturarnos con cada una de sus imágenes. Todo lo sólido se desvanece en el aire, para citar (por supuesto) a un filósofo. Un aire filiforme y húmeda.
