Barney a menudo compara sus acciones con las de un competidor que usa el entrenamiento de resistencia para formar grupos musculares. En un texto de 1990 titulado «Notas sobre el atletismo», el artista describe este proceso hipertrófico y concluye: «EL ATLETA ES EL ARTISTA».
La serie Drawing Restraint [Restricción de dibujo] de Matthew Barney (1987-en curso) puede entenderse mejor como «un bucle sin fin entre el deseo y la disciplina», una caracterización que proviene del propio artista. Las primeras obras de Barney funcionaron como sistemas diseñados para «derrotar» los desafíos del dibujo: por lo tanto, los arneses restrictivos y las rampas de Drawing Restraint 1 (1987), que dejaban al artista estirado o a tientas para poner lápiz y papel juntos. Con 17 videos posteriores que delinean concursos cada vez más elaborados de fuerza física y fuerza de voluntad psicológica contra la resistencia física, sexual, arquitectónica, cultural, oceánica o espiritual, la serie se asemeja a las interminables pruebas tragicómicas de un semidiós griego, o su encarnación más contemporánea, el atleta . Barney a menudo compara sus acciones con las de un competidor que usa el entrenamiento de resistencia para formar grupos musculares. En un texto de 1990 titulado «Notas sobre el atletismo», el artista describe este proceso hipertrófico y concluye: «EL ATLETA ES EL ARTISTA». El uso de las metáforas atléticas de Barney puede exagerarse, pero tales tropos apuntan al hecho de que el cuerpo y sus tribulaciones son fundamentales para su práctica, y que su trabajo posmoderno promueve una de las tradiciones histórico-artísticas más antiguas: la figuración.
Sin embargo, es difícil digerir la certeza de la presunción curatorial de la exposición Matthew Barney: Hoja de oración con la herida y el clavo, que examina el archivo de «Restricción de dibujo». Aquí el cuerpo ocupa un lugar central, pero no solo es el de Barney sino también el de Cristo. Quizás inspirado por el tesoro del arte cristiano medieval del norte de Suiza, el curador invitado Neville Wakefield eligió colocar la serie «Restricción de dibujo», con sus innumerables videos, dibujos, objetos, vitrinas e instalaciones, en conversación con obras de iconografía cristiana. Describiendo sus motivos en el catálogo, Wakefield escribe: ‘De manera muy parecida a como el arte de la Edad Media dibujó un paisaje de inferencia espiritual del cuerpo del Salvador, entonces Barney ha usado su propio cuerpo […] para sacar una teología secular de la creación artística «.
Siguiendo este grandilocuente paralelo, la instalación del programa evoca los ambientes de muchas cámaras y carga simbólica de las películas de Barney, actuando como iglesia y cripta. Mientras que las galerías subterráneas contienen los contornos termoplásticos pálidos, gigantescos y en canal de Cetacea (2005) y Torii (2006), algunas obras medievales y los restos de madera y tierra de Drawing Restraint 17 (2010) ), el piso de arriba, una basílica de varias habitaciones, presenta el archivo más grande. Así, los grabados en madera del siglo XVI de Albrecht Dürer que detallan la Pasión, y las pinturas al óleo iluminadas de Lucas Cranach el Viejo de un Cristo oscuro coronado de espinas, sus ojos celestes y de búsqueda, y los volúmenes de Lucretia en forma de mármol con un cuchillo, asisten a las esculturas de petróleo de Barney. Cerca de allí, los grabados de Martin Schongauer de un Cristo delgado y pacífico comparten espacio con los dibujos de Barney en sus marcos cerosos y autolubricantes y una serie de pequeños monitores flotantes que reproducen videos del artista escalando las paredes del museo, dibujando con sangre de pescado en un barco turbulento cubierta o retozando como un sátiro en una limusina.
Si los videos y películas de Barney son impresionantes, y su corpus de grandes instalaciones deslumbrantes, sus dibujos rasposos y provisionales y sus sólidos objetos fundidos no pueden competir con las deslumbrantes y deslumbrantes obras de Urs Garf y Hans Holbein el Joven. Pero esta no es la única razón por la cual la yuxtaposición Cristo / Barney de Wakefield no tiene éxito. «Barney ofrece el espectáculo del cuerpo en peligro que lucha compulsivamente con su propia vulnerabilidad», señala el curador, comparándolo con el Salvador. Quizás. Sin embargo, la «vulnerabilidad» es el elemento más sorprendente que falta en el vasto arsenal de herramientas de Barney. A pesar de las pruebas que se impone, Barney exhibe su fuerza: desde las pesas recurrentes hasta las figuras dominantes (sátiro, general MacArthur, escalador, artista) que habita. Así, la falta de conexión con las las figuras de Cristo y nuestras fallas compartidas.
Aún así, a veces el diálogo cobra vida asombrosamente. Los pliegues de mármol de la mortaja de la mujer en Der Tod und das Mädchen (Muerte y doncella, c.1540) de Hans Baldung Grien reflejan las corrientes termoplásticas blancas en la instalación de Cetacea cercana. La pintura de Grien también inspiró a Barney’s Drawing Restraint 17, que incluye una película de una joven cavando una tumba poco profunda en los campos frente al cercano Goetheanum, luego trepando por el alto atrio de Schaulager, antes de caer a su muerte a través de una estructura de madera pentagonal colocada en el piso . Aunque la película es conmovedora, más aún por ser la primera vez que Barney ha elegido a otra persona como protagonista (y una mujer atlética), la impresión de J.P. Steudner del siglo XVII titulada Hoja de oración con las heridas de Cristo me intrigó.
Su grabado, del que deriva el título de la exposición, ofrece imágenes ampliadas y eróticas de las heridas de Cristo y una uña de crucifixión flotando en un campo estilizado. Surrealmente médica, las heridas se parecen a los genitales femeninos, la uña más falo que reliquia. Este extraño hermanamiento de herida y procreación era común en ese momento (San Agustín llamó a la herida de Cristo la «puerta de la vida»), presagiando la relación de «Restricción de dibujo» entre el deseo y la disciplina. Mientras tanto, el dibujo muestra el interés similar de Barney en formas autónomas bien diseñadas que funcionan como significantes sexuales y más símbolos arcanos en una cosmología más amplia. Ver, por ejemplo, el símbolo de la serie «Restricción de dibujo», con su forma ovalada (connotando el cuerpo) cruzada por la barra (connotando la restricción). Pero el dibujo también sugiere que si el curador hubiera adoptado un enfoque más circunspecto y centrado en su emparejamiento, las revelaciones sobre el trabajo de Barney habrían sido mucho más esclarecedoras.
A medida que avanzaba en el programa, me sorprendió nuevamente la simetría exacta del cuerpo de trabajo de Barney: desde el símbolo de «Restricción de dibujo», que se repite en todo momento, hasta las tomas bellamente compuestas de la limusina en Drawing Restraint 7 (1993). Si la simetría realmente forma la base de la belleza y la atracción física, las ramificaciones de la serie de Barney, con su «bucle sin fin» de deseo disciplinado, parecen claras. En una charla reciente, el historiador de arte David Joselit habló de la serie como una canalización del impulso (alternativamente sexual, artístico, procreador o de búsqueda de la muerte) en un campo expandido. Cualquiera que sea ese impulso, y a pesar de su presencia y, a veces, sobrearticulación, sigue siendo completamente singular. Si el cuerpo autónomo de Cristo se convirtió en un recipiente social que supuestamente creció para incluir todo el sufrimiento humano, el cuerpo de Barney (y su cuerpo de trabajo) todavía se siente notablemente limitado por sus costumbres, deseos y circunstancias individuales.
85A.
g7rminación es un proyecto artístico que contiene 7 obras de arte presentadas en una gran puesta en escena que se divide en 3 capítulos de danza, acompañados de interludios audiovisuales, vestuario y luces que cobijan toda la presentación. Se crean diferentes atmósferas, cambia el color, la pintura central llamada Parto. Todo este proyecto está pensado para sumergirlo a usted, el espectador, en esta narración y no dejarlo afuera de esta experiencía, que necesita ser compartida de forma sensible con cada persona que la ve.
Parto
Cada una de las 7 pinturas tiene 61 x 120 cm, están hechas con acrílicos, y fueron realizadas por MAGG (Miguel Angel Guevara Guachetá) a principios del año 2019. Toda la creación del proyecto, con la selección de cada una de las piezas visuales y auditivas, regidas por los derechos de autor correspondientes, como también las bases de la puesta en escena, fue pensado desde el año 2017. Todo esto junto a Sofía Guevara y Dharma Rodríguez, las grandes participes en cada una de las danzas en las cuales mezclan el ballet con danza contemporánea, y con Santiago Céspedes en toda la producción de esta puesta en escena.
Es por esto, que en tiempos de distanciamiento social se ha virtualizado g7rminación para que lo vivan en conjunto con cada uno de los integrantes y lo compartan con cada una de sus familias viviendo esta experiencía artística.
Los invitamos para que vean g7rmianción que ya cumple un año desde su estreno. En los siguientes enlaces podrán ver el trailer del proyecto y g7rminación completo:
