¿Qué tienen en común el Che, Marilyn Monroe y Madonna? El historiador del arte Thomas Crow explica qué es y por qué hoy sigue siendo importante el Arte pop.
Thomas E. Crow es un historiador y crítico de arte Norteamericano reconocido por escribir textos que hablan del rol de las artes en nuestra sociedad moderna. Crow visitó Colombia en el marco de la conferencia inaugural de la Maestría en Historia el arte de la Universidad de los Andes, en la que dio su charla «From New York to Havana to Paris : Pop Style in the Political Counter-Culture 1967-68«. Hablamos con él en su visita a los Andes y en el marco de su último libro: The Long March of Pop: Art, Music and Desing 1930-1995 (2015).
¿Qué es Arte Pop?
Yo defino Arte Pop de dos maneras distintas. Una es un episodio en nuestra historia. El término Pop Art se usó por primera vez en 1957, en Londres, cuando el artista Richard Hamilton y el crítico Lawrence Alloway vieron que las artes estaban un poco pasadas de moda, cargadas y orientadas al paisaje y la figura humana. Ellos buscaban, como todo el mundo después de la guerra, una forma más emocionante de arte. Pero ningún artista estaba haciendo arte emocionante en el momento. Entonces, vieron los nuevos productos de consumo con diseños sobre todo de Italia y también productos convencionales provenientes de América (Estados Unidos) y encontraron que eran mucho más interesantes que el promedio de obras de las galerías del momento. Además estaban fuera de toda mística y eran útiles. El artista dominante del momento era Fracis Bacon y su obra era acerca de la agonía y el dolor. Se proyectaba al pasado y en él incluía una verdadera intensidad. Pero esta intensidad no tenía nada que ver con lo que estaba viviendo la gente en la vida urbana. En la vida urbana había un montón de nuevo arte que no estaba siendo producido por ningún artista, entonces ellos llamaron a eso Pop Art. Ya sabes, si te gustaba Elvis Presley en 1956, pues te gustaba el Pop Art. Este tipo de arte vino de la imaginación popular y por eso tuvo éxito popular.
La otra forma de definir el Arte Pop tiene sus raíces en Nueva York alrededor de 1961. La idea fue retomar lo que los Británicos llamaron Arte Pop y llevarlo al medio de las artes plásticas, ponerlo en galerías, museos y esas cosas. Ese sería el significado de ese tipo de arte. Duró entre cinco y siete años. Desde 1961 hasta quizá 1968. Y bueno, algunos artistas como Roy Lichtenstein continuaron haciendo este tipo de arte pero la sensación del momento por el Arte Pop pareció acabarse luego porque no había ningún artista joven haciéndolo a medida que se introducían al campo.
¿Cuál definición prefiere?
Me gusta pensar acerca del Arte Pop de las dos maneras. Pero prefiero usar la definición más temprana de los Ingleses porque lo que le sucedió a muchas de las innovaciones del Arte Pop que trajeron Warhol o Lichtenstein en los sesentas regresaron otra vez a la cultura masiva. Cuando los Beattles lanzaron el álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, le dijeron al artista Peter Blake que hiciera la portada. Las personas que en realidad veían Arte Pop en las galerías o museos eran una pequeña minoría. Pero la gente que vio la portada de los Beattles fueron millones alrededor del mundo. El Arte Pop sobrepasó en gran medida al espectro del arte. Los artistas podían producir, volver a encontrar sus producciones en el mundo y retornarlas al mundo del arte. Así fue esta psicología en donde el Arte Pop se expande y contrae entre el mundo popular y de regreso al arte. Así una y otra vez.
El Arte Pop es una excepción en la historia del arte. Está parado en medio del ocio y el conocimiento.
Estoy de acuerdo con lo que dices.
¿Y qué condiciones había en el momento para la excepción?
Era la forma en que la gente vivía. Simplemente no lo podías ignorar como sí podías ignorar al arte pasado de moda. Podías simplemente decir que es vulgar, o que no tiene nada que ver con nosotros, o que le falta educación pero no podías mantenerlo ahí por mucho tiempo sin notar su relevancia en el mundo.
Una de las cosas que me gusta señalar, porque no creo que está suficientemente reconocida, es cuan poderoso el arte se ha vuelto. No hablaré de culturas que no conozco, pero en general, la categoría de “arte contemporáneo” ha absorbido mucha energía que solía ir a otras formas de arte, como la poesía. No hace mucho los poetas solían ser grandes figuras nacionales. Ahora la poesía es un interés menor. Pero toda esa inversión cultural que solía estar en la poesía ¿ha desaparecido?. Yo creo que hay una constante ahí que si no está a cargo de la poesía, está a cargo de algo más. Esto pudo ser distribuido en otro tipo de formas más sobresalientes para las personas. Por ejemplo el cine, la música popular y algunos desarrollos en las bellas artes.
Sociedad, política, economía, religión, ¿cuál es el lugar del arte? y ¿cómo el arte empuja a esas otras esferas?
El mundo del arte es el resultado de una economía desigual que apoya a los artistas jóvenes. ¡A muchos artistas jóvenes! El campo vibra porque hay cosas que pueden ser poseídas por esta clase de personas que quieren y pueden poseerlas. En términos morales o éticos esto no es maravilloso, pero es una realidad con la que se tiene que lidiar. La gente busca a los artistas para que les provea alguna clase de reflexión o articulación de sus propias experiencias que no están bien formadas. Esa es la función del artista. El de destilar y articular cosas que muchos están sintiendo pero que no pueden detectar por distracción. Cuando un artista lo hace persuasivamente entonces la gente responde con interés e incluso adulación. Este no sería el caso un par de generaciones antes. Pero una de las cosas que diferencia a las artes plásticas de otras artes es que sí produce objetos que se pueden poseer. Cosas que uno podría tener. Diferente al cine y la música. Incluso estando en la escuela puedes empezar a hacer piezas que los galeristas y coleccionistas empiezan a rondar e incluso pueden expresar su interés. Por eso hay mucha energía yendo hacia las artes, porque su inversión puede regresar. Sé que esto puede ser muy arriesgado y que sólo una minoría va a ser exitosa. Y si se llega a ser exitoso es por el ávido interés de los coleccionistas ricos y las áreas más privilegiadas de las sociedades más desiguales. La gente con mucho dinero, que no saben qué hacer con él, siempre van a ver al arte como una avenida por la cual transitar.
¿Cree que la subversión es una cualidad del arte?
No lo sé. Creo que eso es mucho para el arte. Presupone la idea de que el arte es instrumental y que es algo que se aplica y tiene un efecto. Eso es difícil de medir. La gente quiere creer que molesta al status quo y que van en contra de las hegemonías conservadoras que de hecho son el combustible del mercado del arte; es por su lamentable conservatismo que la hegemonía alienta a la desigualdad. Y estos excesos de riqueza van a apoyar el arte. Entre más subversivo el artista dice ser, más termina enredado en este tipo de psicopatía. La única salida sería una consciencia mayor que estableciera justo lo que está pasando, pero es que si eres un artista, sólo quieres hacer arte.
Y acerca de los íconos, como los del Pop Art, ¿cómo aparecen?
El término “ícono” es en realidad muy flojo. Su definición original es una impresión de lo divino. Los grandes iconos bizantinos, se asume, son réplicas de la imagen real de la Virgen María y de Cristo que existen desde que ellos estaban con vida y que luego fueron reproducidos con tal exactitud que el poder divino invertido en el original persistía en todas las copias. Por esa razón hay culturas que aún creen en milagros y que lo divino puede ser vertido en las cosas materiales. Ahí es cuando se cree que el arte puede tener un efecto real en el mundo. Pero eso es restringir el ícono a un rango muy corto de su apariencia. El Arte Pop destiló no sólo la apariencia de estrellas famosas como Marilyn Monroe o la figura política romántica del Che Guevara. El Arte Pop usó la idea de ícono de tal manera que ni el artista se lo imaginó en un principio. Los íconos pop van más allá de la apariencia y se convierten en emblemas que trascienden la imagen y se convierten en tótem. El tótem es también un objeto material que está vertido por una fuerza supernatural.
¿Cómo nos influyen?
Esta veneración religiosa hacia cosas materiales y con tal idolatría ciertamente disminuyó en la población de hoy en día. Pero eso nunca va a desaparecer. Ni siquiera entre las personas que se enorgullecen por su secularidad y alumbramiento más allá de la superstición. El problema es que cuando tratas de suprimir algo como esto que ha sido tan importante para toda la historia de la humanidad y pretendes que no te afecta, te vuelve la veneración en una forma que no necesariamente reconoces o admites. Podrás sentir una atracción casi inconsciente hacia las cosas que tienen un tratamiento igual al de un viejo ícono, pero que está cargado con nuevos significados. Significados vertidos en él como la idea utópica de una transformación revolucionaria. No había un ícono antes de que Jim Fitzpatrick hiciera el diseño del Che que reuniera y codificara completamente las esperanzas sobrenaturales por el cambio. Ese es un hecho de nuestra imaginación que no existe pero nos atrae porque parece traer consigo un alivio. Ahora tienes un emblema que se nos hace presente y concreta la esperanza y nos aferramos a ella como un hombre se aferra a un tótem. Es un espejismo para la erótica de la imaginación popular. Así creo que un ícono termina convirtiéndose en una especie de fuerza y creo que el Arte Pop tiene mucho que ver con eso. Antes el arte tendía a dispersarse y diluirse en la depresión singular de un artista y no era capaz de mover a la gente. Tú no puedes hacer un ícono de un Jackson Pollock o de un Picasso. En serio.
¿Y qué opina del entretenimiento hoy en día?, cómo usa íconos, emblemas, tótems y esas cosas para sostener una industria.
Creo que el megaéxito en el mundo del entretenimiento a menudo es el resultado de que un performer, con todo su aparato de entretenimiento, haya alcanzado el estatus de ícono por virtud de su oficio, atributos, apariencia y todo eso que es muy complejo de resumir. Si fueras capaz de resumirlo en una forma poderosa y reducida, y re-proyectarla, podrías tocar este tipo de fascinación. Es muy difícil de predecir. Es como una caricatura que el performer crea para sí mismo y luego habita. Las personas son atraídas casi sin saber por qué. Sin siquiera tener correlación con lo que el performer hace o afecta. Ya sabes, Madonna hizo eso, ella creo esta caricatura y la habitó de tal manera que dejó de ser caricaturizada y trivializada. Lo que hizo fue preparar el terreno para algo que tiene ese viejo estatus de divino y por el que la gente no puede evitar sentir atracción en formas que no entienden por completo.
Simplemente creo que no tenemos suficiente análisis acerca de esto y de cómo ocurre. También creo que en este punto hay un montón de lecciones para todos los artistas contemporáneos.
La conferencia "From New York to Havana to Paris : Pop Style in the Political Counter-Culture 1967-68" que dictó en la inauguración de la Maestría en Historia del arte de la Universidad de los Andes.
Click acá para verLlamó mi atención que en su libro habla de que la estética del Arte Pop se convirtió pronto en una estética política y que algunos artistas intentaron ser políticos para encajar en esa estética del momento.
Creo que en principio fue así. Hacer arte con los dispositivos dados en los sesentas, sin incursionar en lo político, podía ser considerado superficial. Pero eso no es nada más que el clásico pastiche y no estoy seguro de que todos tuvieron éxito en ello. Hacer buen arte es otra cosa. Es en serio difícil. Yo no envidio a los artistas ni los retos que tienen que enfrentar para encontrar el camino de lo que tienen que hacer sin repetir el pasado. Y si lo repiten tendrían que hacerlo de tal manera que nos lo hagan ver diferente. Siempre intento dar el máximo aliento a cualquier artista que sea sincero y que realmente tenga la necesidad de ser artista. Esta necesidad de hacer arte trae consigo el riesgo del fracaso —o el fracaso relativo— y creo que el valor para hacerlo siempre anima la paradoja: creo que una vida como artista puede perderse cuando hay mucho éxito en el mercado.
Arte Pop: El arte que se conecta con la mayor cantidad de gente posible
El artista: Andy Warhol
Más artistas: Roy Lichtenstein, Jeff Koons, Cindy Sherman, Damien Hirst.
La revolución: Sólo hay una respuesta a eso… el Che Guevara
Íconos: Che Guevara y Marilyn Monroe
El Che Guevara: Es cómo te conectas con alguien que se ha ido. Se fue antes de morirse, cuando murió se fue para siempre y su imagen tomó su lugar.
Celebridad: Es la forma en la que nos conmovemos por la imagen de alguien que no conocemos.
